LIGA DE LA JUSTICIA, visto lo visto podría haber sido mucho peor

Los de Warner/DC estan muy desesperados por intentar forjar un universo cinematográfico más o menos cohesionado como el que lleva forjando Marvel desde hace casi una década (cuando estrenó el primer Iron Man) y con más de una docena de títulos en el mismo. Hasta ahora se habían topado con las críticas más bien malas que cosecharon tanto Batman v Superman como la de Escuadrón Suicida, pero vieron el cielo abierto cuando la de Wonder Woman si consiguió dar en el clavo y convencer a casi la mayoría de la crítica y el público. Con la presente Liga de la Justicia que en principio empezó Zack Snyder aunque al final culminó Joss Whedon se la jugaban, y más allá de su previsible éxito en taquilla, ¿el resultado entretiene?

Desde mi punto de vista, y con unas expectativas más o menos justas, tengo que admitir que la película es entretenida aunque en el fondo te da en todo momento la sensación de ser un film que vendría a ser una especie de criatura de Frankenstein, con evidentes carencias pero con algunos aciertos, por lo que en mi baremo totalmente particular diría que supera tanto a Batman v Superman como a Escuadrón Suicida aunque se queda lejos del acierto que fue Wonder Woman. Resulta evidente mientras uno la está viendo que ese esquema que ha llevado a Marvel al éxito es lo que se intenta reproducir aqui, si bien los resultados resultan insuficientes aunque no por ello insatisfactorios.

Muchos acusan a Warner/DC de querer forjar algo deprisa y corriendo, cuando Marvel primero presentó a sus personajes y fue luego cuando los unió, por lo que no resulta extraño pensar que cuando una tragedía personal propició que Zack Snyder abandonara las labores de dirección, las mismas recayeran en Joss Whedon, responsable de las dos primeras entregas de Los Vengadores. Como es lógico buscaban un éxito similar, pero aunque el responsable de Buffy Cazavampiros logró una destacada primera entrega del grupo de superhéroes de Marvel, el resultado ya no fue tan redondo en su secuela. Visto lo visto, y desde esa valoración, digamos que esta Liga de la Justicia quedaría más o menos al mismo nivel que tuvo Joss Whedon en la primera secuela de Los Vengadores (pero más abajo), aunque me imagino que ese trasvase al estilo Marvel se ha propiciado en parte en lo que él buenamente haya podido intervenir (que se supone un 15 o 20% del total)

Liga de la Justicia es un puzzle donde hay elementos que encajan bien y otros que no tanto: en origen parece ser que Zack Snyder quería seguir el estilo ya planteado en Batman v Superman (que bien podría considerarse como el episodio previo a esta película) pero la antes citada mala recepción crítica debió de influir en que solicitaran rebajar esa trascendencia que no acababa de cuadrar (de hecho es que en mi opinión ya Zack Snyder NO acertó ni desde la de El hombre de acero, por lo que no entiendo la perseverancia de mantenerlo al frente tanto de la antes citada Batman v Superman como de la parte de la que él sea responsable del presente título) Es por ello que esta película asume los errores pasados y los corrige usando la misma fórmula que le lleva funcionando a Marvel en estos años, por lo que es mejor esperar hasta el final de los títulos de crédito para ver las dos escenas que hay tras los mismos (por citar un detalle, aunque no es el único)

En estos grupos de superhéroes siempre hay alguno que vendría a ser una especie de alivio cómico y esa es la labor de The Flash a cargo de un Ezra Miller que como dicho personaje (y su alter-ego Barry Allen) cumple con corrección, siendo muy magnánimos, aunque te hace añorar al Grant Gustin de la serie de televisión. Mejor suerte corre el Aquaman de un Jason Momoa convincente, que el próximo año veremos de nuevo encarnando a ese personaje en su propio film en solitario bajo la batuta de James Wan, el cual esperemos que corra la misma suerte que ha tenido Wonder Woman, que aqui vuelve a ser tan interesante como lo fue tanto en su título en solitario como en su breve aparición en Batman v Superman. Cyborg es tan solo uno más, y al igual que pasa con The Flash digamos que no molesta pero tampoco emociona (nunca se llega a empatizar con él), aunque la peor parte se la lleva de nuevo el Batman de Ben Affleck, actor que en todo momento denota el poco interés que tiene, lo que nos lleva a lo poco destacado que es su personaje pese a ser el supuesto lider del grupo.

De Superman no he citado nada pero digamos que si el nombre del actor que lo interpreta está presente en el reparto de la película, será porque aparece en algún momento, ¿no? Yo pensaba inicialmente que su resurrección sería la escena que hay tras los créditos pero no es así, aunque no aclaro más (para no desvelar spoilers) si bien destaco el gran acierto de volver a usar el tema de John Williams para este personaje (aunque sea un par de tonos), lo cual se podría añadir a la recuperación del tema de Batman que hizo Danny Elfman (responsable también de la banda sonora de este film) para la primera película de Tim Burton. Si en el primer caso me llevó a volver a sentir, aunque sea emocionalmente, el espíritu del Superman de Donner, en el segundo se plantea una disyuntiva: ¿es este Batman la "evolución" del de Michael Keaton? Hay cierto casual comentario por parte de Alfred que puede llevar a recordar al Batman vuelve, también de Tim Burton...

Héroes, héroes y más héroes pero, ¿y el villano? Steppenwolf es un personaje del que NO he leído nada por lo que no tengo ningún tipo de referencia previa más allá de lo que aqui me muestran. ¿Merece la pena? Pues digamos que cumple lo justo con su papel de ser la causa que una a todos estos superhéroes, pero quizás podría haber dado más de si, ya que en ningún momento resulta tan temible como nos quieren mostrar de forma insistente. Eso si, cuando sus poderes se desbordan en la previsible batalla final (aunque previamente ya había habido algún detalle así) resultan muy evidentes los efectos CGI, lo cual desmerece en una película cuya mayor parte del presupuesto se supone que se ha invertido en los mismos. Al final se puede decir que poniendo todos los elementos en una balanza esta Liga de la Justicia se inclina levemente hacia ese lado positivo de un mero producto que ensamblando detalles por aqui y por allá logra no ser el desastre que muchos vaticinaron, si bien tampoco es (ni de lejos) la película que podría haber sido.

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• FICHA TÉCNICA y SINOPSIS en IMDB (en inglés) y FilmAffinity (en español)
• FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA: 17 de noviembre de 2017
• Galería de posters por este enlace.
• LO MEJOR: Para bien o para mal, el decantarse por el funcional sistema con el que Marvel lleva triunfando desde hace casi una década.
• LO PEOR: Que siguiendo un patrón ya conocido se diluya toda novedad, aparte de la evidente huella que han dejado los múltiples remontajes que ha tenido antes de ver la luz.

ASESINATO EN EL ORIENT EXPRESS de (y con) KENNETH BRANAGH

Cuando conocí y me aficioné a las historias de Sherlock Holmes pronto me encontré con el handicap de haberlas leido todas, y aunque ahora es más facil y popular encontrar todo tipo de pastiches de ese personaje, a finales de los ochenta no era así. En mi búsqueda de algo más o menos similar fue cuando conocí y leí las obras de Agatha Christie, en las que tuve mi primera aproximación a dos personajes clásicos de las mismas como la venerable Miss Marple o el investigador belga Hercules Poirot (que bien podría considerarse como una variante del inicial Holmes) Y si la historia más popular del famoso investigador de Baker Street sería la de El sabueso de los Baskerville, en el caso del detective belga obra de Agatha Christie es sin duda la de Asesinato en el Orient Express, pero que sea la más popular no significa que sea la mejor.

Aunque el tiempo va difuminando el recuerdo paulatinamente, el hecho de que no era la mejor historia del personaje continuaba latente en mi memoria cuando me subí a esta nueva versión que ha dirigido Kenneth Branagh, 43 años después de la más famosa a cargo de Sidney Lumet y también con un reparto estelar en el que figuraban Lauren Bacall, Sean Connery, Martin Balsam, Ingrid Bergman, Jacqueline Bisset, Albert Finney, John Gielgud, Anthony Perkins, Vanessa Redgrave, Richard Widmark y Michael York. Reconozco que el tiempo transcurrido tanto desde que leí la novela como desde que ví la adaptación anterior habían borrado de mi memoria la solución de esta historia, pero una vez vista aqui me recordé de la previa... y de por qué me decepcionó.

Esta nueva adaptación de la obra de Agatha Christie coincide con la de Lumet en tener un reparto estelar en el que figuran desde el propio Branagh encarnando a Poirot hasta jóvenes promesas como Daisy Ridley (protagonista de la nueva trilogia de Star Wars) pasando por veteranos como Michelle Pfeiffer, Willem Dafoe y Judi Dench u otros como Penélope Cruz y Johnny Depp. Pero pese a un plantel tan solvente de talentos de todo tipo y condición, la sensación final que queda es no haberlos aprovechado del todo, siendo más bien meros reclamos comerciales para atraer la atención del espectador. No voy a desmerecer su trabajo, pero la historia resulta tan arquetípica que tan solo sirven para ir haciendo apuestas de cual será al final el culpable (otra cosa es la decepcionante solución que se le da al misterio, coincidiendo con la adaptación de 1974, y claro ejemplo de por qué esta NO es la mejor historia de Hercules Poirot, pero en eso la culpa no la tienen ni en esta el trabajo de Branagh ni en la de entonces Lumet sino la novela original)

Al igual que el antes citado Holmes es un personaje con unas características muy definidas (y que enseguida uno asocia o a él o a quien quiere imitarlo) el detective Poirot también, y ahi resulta todo un acierto el trabajo de Branagh como actor ya que sabe recrear con acierto el tono pedante y egocéntrico del personaje, al que además dota de un mostacho (porque eso va más allá de "bigote") que encontré demasiado exagerado, si bien sirve para marcar bien su estilo y personalidad. Si por algo se hizo famoso Branagh en sus inicios fue por su gran pasión por Shakespeare, por lo que él era el más indicado para llevar a cabo una adaptación clásica como la presente, pero la misma peca de brillar más en su prólogo, en el Muro de las Lamentaciones de Jerusalem, que en una historia esquemática resuelta de manera profesional (no tengo nada que objetar a la solvencia del reparto, esté más o menos aprovechada, o al meticuloso diseño de producción, por citar dos detalles), en la que se hecha en falta, sin negarle que resulta entretenida, el ser algo más arriesgada y algo menos académica.

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• FICHA TÉCNICA y SINOPSIS en IMDB (en inglés) y FilmAffinity (en español)
• FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA: 24 de noviembre de 2017
• Galería de posters por este enlace.
• LO MEJOR: La labor de Branagh como actor (resulta un acertado Poirot) así como de director (ofreciendo una clásica adaptación de la obra más popular de Agatha Christie), además de un reparto solvente (otra cosa es que esté más o menos aprovechado), un cuidado diseño de producción y una muy acertada labor de fotografía.
• LO PEOR: Que sea la más popular no significa que sea la mejor, lo cual queda patente en una solución un tanto decepcionante (aunque eso ya viene de origen), a lo que sumar cierto exceso de clasicismo y poco riesgo, frente a un prólogo en Jerusalem que puede ofrecer unas falsas expectativas al espectador.

LA SONRISA DE LAS IGUANAS, KARNAK: TODO TIENE UN PUNTO DEBIL, TIERRA DE SUEÑOS, MYSTERY SOCIETY y HARLEY QUINN (2)

Mis opciones de lectura son tantas que admito que en ocasiones puede que deje pasar algún título más o menos llamativo porque no tenía referencias del mismo hasta ese momento. Eso es lo que me ha pasado con La sonrisa de las iguanas de Pablo Sebastiá Tirado, del que me llegó un mensaje en el que se afirmaba que ya había predicho todo el follón que se ha armado ahora en Cataluña con el tema de la independencia. Teniendo en cuenta que se trata sin duda de un problema del que no hay a la vista solución viable para todas las partes, más allá de la opinión que cada cual tenga sobre el mismo (sobretodo si vive en Cataluña como es mi caso) tengo que admitir que enseguida me llamó la atención y conseguí leerlo para valorarlo por mi mismo.

¿Cual ha sido el resultado final? Me he encontrado con una historia muy entretenida de la que tengo que admitir que en inicio no veía muchas conexiones justo con el conflicto catalán antes citado, pero eso se debe más que nada porque, cual si fuera un tablero de ajedrez, el autor va situando en posición poco a poco a cada uno de los personajes para al final forzarlos hasta el esperpento (siempre desde el mejor sentido) llegando a un último tramo donde si resultan bastante más evidentes las similitudes con esa actual realidad teniendo en cuenta lo que pasa, y en donde se compone mediante todos los personajes de una sátira mordaz hacia nuestra sociedad de hoy en día, en donde no hay ningún grupo social que se quede libre de pecado (se puede decir que las personas por si solas pueden ser mejores o peores, pero las masas SIEMPRE se comportan como borregos, que es de lo que en esta novela se cachondean acertadamente)

La crítica contra el abuso de poder es igualmente clara, así como la dirigida no solo a la clase política (que también) sino a aquella, dentro de la misma, que alcanza posiciones destacadas a cuenta de manipular y tergiversar siempre para el propio beneficio (y ahí no hace falta dar ejemplos porque la más rabiosa actualidad ya nos cita día tras día de los muchos casos de corrupción políticos, tan tristemente abundantes como las setas en un otoño lluvioso) Entre lo más simpático de este libro, que tiene mucho, estaría esa bastante curiosa comparación del comportamiento de los antidisturbios con las iguanas (algo que refleja la misma portada de esta novela) lo que nos lleva a algunos de los muchos momentos divertidos que nos depara su lectura. Al final con La sonrisa de las iguanas al menos podemos ver lo que ahora está pasando desde otro punto de vista más irónico y sarcástico, sin dejarnos exacerbar por opiniones extremistas hacia uno u otro lado.

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Tengo que admitir que cuando me apunté a la lista de espera de este comic en las bibliotecas no tenía ni idea de quien era Karnak, más allá de que pertenecía a los Inhumanos. Con el tiempo que estuve esperando hasta que llegó mi turno me dió tiempo para empezar a ver la serie sobre estos personajes estrenada en fechas recientes, pero justo por sus bastantes carencias (vamos, que no merece la pena molestarse en gastar tiempo para verla) decidí abandonar tras su quinto episodio (y aún aguanté mucho) aunque al menos me sirvió para tener un primer acercamiento a este Karnak (o al menos eso pensaba yo), al ser uno de los miembros del grupo.

¿Primera sensación cuando me leo este comic? Total desconcierto, porque de como ví al citado Karnak en la serie antes citada a como lo ponen aqui es como comparar el día y la noche, por lo que suponiendo que esta sea una versión más equiparable a como es el personaje, esto achaca un nuevo handicap más a esa fallida serie de televisión. Pero metidos en materia que esto sea obra de Warren Ellis... ¿puede dar esperanza de un buen resultado? Pues depende.

De los Inhumanos los que yo más conocía son Rayo Negro, Medusa (atención al cante que dan sus pelos en la serie antes citada), Crystal (por haber sido novia de Johnny Storm) y Mandíbulas (el perrazo teletransportador), pero no dejaban de ser secundarios que ejercían como tales cuando coincidian con algún héroe más mediático y/o conocido. Pues bien, a ellos se suma este Karnak, cuya capacidad consiste en encontrar siempre el punto debil de las cosas, y que conozco aqui como una mezcla entre Stick (el mentor de Daredevil) y uno de los X-Men. En este comic se ve inmerso en una historia bastante aceptable, entretenida y bien resuelta, con unas escenas de acción convincentes pero que al final te deja con la sensación de haber leído algo tan intrascendente como el famoso agente Coulson (secundario insulso que por aqui aparece) nacido en el universo cinemático y adaptado luego a las viñetas.

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Hay autores que casi siempre son un sinónimo de calidad, y la mayoría de sus obras suelen ser tan recomendables como accesibles, sin ese handicap que suele tener asociado el manga que es la serialización de sus historias. Uno de estos autores es sin duda Jiro Taniguchi, del cual me ha convencido casi todo lo que he leído de él, lo que de nuevo me ha vuelto a ocurrir con esta Tierra de sueños.

Experto como ya me ha demostrado en obras previas, Taniguchi ofrece en este manga varias historias cortas de un claro tono intimista en las que nos narra la vida de una pareja sin hijos, siendo la primera de ellas sencillamente magistral porque queda del todo reflejado el hecho de tener una mascota y encariñarse con ella, con la evidente tristeza que ello supone cuando ese animal ya es muy mayor y está próximo a la muerte. En este caso se trata de un perro, del que sus dueños valorarán en sus últimos momentos de vida todos los sacrificios y obligaciones que les llevó tenerlo, pero todo el amor incondicional que a cambio recibieron.

Ese tono sereno y emotivo es un tanto menor en la segunda historia, donde de nuevo nos encontramos a la misma pareja un año después de la muerte de su perro. De forma inesperada se encuentran con una gata embarazada a su cargo, y en ella deciden volcar sus sentimientos, pese a sus discrepancias iniciales sobre que decisión tomar. Ese estilo tan emotivo continúa cuando se plantean el regalar a los gatitos a otras personas, demostrando el autor de manera notable tanto los sentimientos de ambos como los del propio animal cuando pierde a sus retoños. 

En el siguiente relato la inclusión de la sobrina pequeña de la pareja les lleva a pensar en esa hija que nunca tuvieron, al tiempo que se sigue ahondando en las emociones de todos los personajes implicados. Pero tras estas historias tan comúnes y corrientes, pero gracias a Taniguchi tan emotivas y entretenidas (con especial mención a la primera), el tomo se cierra con un último relato del todo ajeno a los previos, que aunque sigue demostrando el talento de su autor resulta tan solo un relato de superación personal (en este caso de un alpinista) que aunque sea bueno en esencia, rompe un tanto el esquema de todo lo leido hasta ese momento.

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En ocasiones hay historias que son tan solo simples entretenimientos, que no pretenden nada más que hacer pasar un buen rato sin que uno tenga que cavilar demasiado. Eso se da de forma evidente en el cine, aunque el comic también serviría de ejemplo, en especial con casos como este Mystery Society, que enseguida llamó mi atención cuando lo descubrí entre las recientes novedades de la biblioteca.

Con un guión de Steve Niles lo que primero puede pensar uno es que estamos ante un relato con toques de terror, pues no en vano la obra que catapultó a la fama al citado autor fue 30 dias de noche, pero en el caso que nos ocupa estamos ante una historia que combina aventura, acción, misterio y comedia en un batiburrillo que pese a todo logra funcionar realmente bastante bien y se puede leer con agrado e interés beneficiado también por su incesante ritmo (a lo que ayuda mucho el contar con unos personajes tan curiosos y llamativos como bien perfilados teniendo en cuenta las pretensiones del conjunto)

Los protagonistas son una pareja de excéntricos millonarios que se dedican a investigar toda clase de casos paranormales con la única intención de pasar un buen rato haciendo lo que les gusta. Con el seudónimo de Nick y Anna Mystery fundan la sociedad que da título a esta obra, a la que se unirán desde una muerta que logicamente no lo está mucho hasta un robot con el cerebro de Julio Verne pasando por un par de gemelas que rescatan del Área 51 ya en la primer episodio, las cuales tienen habilidades especiales. En esta historia de orígenes tendran que rescatar el robado cráneo de Edgar Allan Poe, en una aventura vibrante en la cual resultan evidentes las múltiples fuentes de las que bebe el autor para ofrecernos un comic sin duda alguna muy divertido.

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Hace tiempo (unos meses) me leí el comic de Harley Quinn titulado Calor en la ciudad, con el cual disfruté bastante, pero lo que no me imaginaba es que podría leer la siguiente entrega tan pronto y (lo que es igual de importante) pasármelo tan bien o incluso mejor que con la inicial. Y es que dentro de ese donativo de material que Ficomic le ha hecho a la biblioteca Tecla Sala, y del cual en otras reseñas ya he hecho mención, el otro día entró este tebeo que enseguida llamó mi atención.

Aunque es evidente la continuidad respecto al volumen previo, la mayor ventaja que tiene este comic es incluir tan solo dos números de la serie regular de este personaje (el 9 y el 10), siendo el resto el Annual 1 de la colección y los especiales del Fin del Mañana y Harley Quinn invade la Comic-Con, este último una absoluta diversión de principio a fin, plagado de una multitud de referencias, guiños y homenajes, a lo que sumar las estrambóticas aventuras que vivirá Harley Quinn en su intento de mostrar su portafolio a los responsables de DC en dicho evento.

Los números 9 y 10 están incluidos justo después del citado especial de la Comic-Con de San Diego, por lo que es justo ahi donde se ven los nexos de conexión con la anterior entrega, siendo del todo disfrutables tan solo con que "conectes" con el espíritu de su alocada protagonista, cosa que conmigo fue casi inmediata. Aparte de plantear futuras tramas (por ejemplo ese cameo de Power Girl) aqui veremos como Harley se las apaña con un secuestrador o lucha en una pelea clandestina, para a continuación pasar al especial del Fin del Mañana, donde acabará en una isla desierta, y el citado Annual 1, donde además de la presencia de su amiga Hiedra Venenosa, algunos giros de guión provocaran unas alucinaciones que serían lo más llamativo del mismo por el puñado de dibujantes que las llevan a cabo.

Pese a que se incluyan muchos especiales y tan solo dos números de su serie regular, al coincidir en todos ellos los mismos guionistas digamos que se mantiene una esencia unitaria que hace al comic del todo disfrutable. Y es que la protagonista es divertida, pícara, irreverente, violenta, cómica y al mismo tiempo inocente aunque siempre muy loca, hasta el punto de que teniendo más o menos reciente mi lectura de la Hulka de John Byrne pensé en un hipotético crossover que la juntara con esta Harley Quinn, ya que pueden tener algún que otro punto en común, por lo que el resultado (si se llevara a cabo) creo que sería bastante chulo.

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FELIZ DÍA DE TU MUERTE, o ATRAPADO EN EL TIEMPO más SCREAM

La década de los noventa nos ofreció, entre otras MUCHAS películas, dos que fueron unos rotundos éxitos así como dos films realmente notables y destacados, cada uno por sus propios motivos: me refiero a Atrapado en el tiempo de Harold Ramis y Scream de Wes Craven, que serian los más claros ejemplos con los que se puede comparar al presente título, el cual mezcla sin problemas las premisas básicas de las películas antes citadas. De hecho incluso cita a la primera de ellas, en un detalle referencial que si acaso se me antojó demasiado evidente, ya que aunque resulta muy clara la inspiración tampoco es plan de desvelarla (si bien puede servir para que descubra la película de Ramis una nueva generación: la de los adolescentes actuales hacia los cuales va dirigida de forma precisa la presente cinta, y que como deja bien palpable el momento, pueden desconocer todo tipo de cine anterior al cambio de milenio)

Tengo que admitir que no he visto casi ninguna de las películas anteriores de la productora Blumhouse, siendo la única excepción Múltiple, pero si son el resto tan medianamente entretenidas como esta (que también es de ellos) no descarto darles una futura oportunidad. Pero centrándonos en el presente caso cabe indicar que hay que disfrutar de esta película con esa misma ligereza que ella denota en todo momento, ya que esta inesperada sorpresa de que estemos ante un título reivindicable en su sencillez se basa sobretodo en que no esconde sus artificios y no aspira en ningún momento a ser un film primordial, sino tan solo un divertido pasatiempo.

La protagonista de esta película (a cargo de la actriz Jessica Rothe, vista por ejemplo en La La Land) es una universitaria con todos los estereotipos como para que de entrada te caiga mal, que por circunstancias que nunca se nos llegan a aclarar (aunque tampoco hace falta) se ve obligada a repetir una y otra vez el aciago día de su cumpleaños, en el cual ella siempre acaba asesinada por un misterioso personaje que se esconde tras una máscara. Con semejante premisa argumental a un espectador veterano le son evidentes los parecidos con los títulos citados al principio de esta crítica, pero como la propia película es consciente de ello, se dedica a jugar con el espectador de una manera simpática para hacernos cavilar quien será la persona que se esconde tras la citada máscara, si bien Christopher Landon (el director de esta cinta) no consigue llegar al acierto de un experto en el género como fue Wes Craven, lo que se hace bastante palpable en su sencilla (aunque razonada) resolución.

De todas maneras hay que reconocer que su intención no es ser la cumbre de la originalidad, y ese evidente desenfado con el que está llevada a cabo (y que es el mejor talante para verla y disfrutarla) se hace evidente en su claro propósito de ser una mezcla de conceptos atrayente y simpática (algo claro desde el inicio, con el logo de la Universal reiniciándose varias veces antes de dar comienzo la película) más que el hecho de llegar al nivel de sus fuentes de inspiración, un objetivo que tampoco pretende, siendo consciente de sus limitaciones, pero que una vez vista queda claro que tampoco alcanza. A su favor cabe citar también un acertado sentido del ritmo, que consigue mantener el interés del espectador durante sus muy ajustados 96 minutos de metraje, a lo que ayuda un acertado guión obra del guionista de comics Scott Lobdell, el cual se podría interpretar como un divertido homenaje a los ejemplos en los cuales se inspira, algo evidente en la propia Jessica Rothe, que en muchos momentos puede recordar a otras clásicas scream queens que ha dado el género slasher.

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• FICHA TÉCNICA y SINOPSIS en IMDB (en inglés) y FilmAffinity (en español)
• FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA: 10 de noviembre de 2017
• LO MEJOR: Ser una divertida y bastante acertada mezcla entre Atrapado en el tiempo y Scream.
• LO PEOR: Su falta de pretensiones, que la aleja del nivel al que llegaron sus fuentes de inspiración.

Crónica (a salón pasado) del XXIII SALÓN DEL MANGA DE BARCELONA

Como es tónica habitual, entre el 1 y el 5 de noviembre de este año se ha celebrado el Salón del Manga de Barcelona, que ya ha llegado a su edición número 23. Tras mi "fracaso" del pasado año 2016, en el cual yo reaccioné tarde para pedir la acreditación correspondiente, para la presente ocasión me curé en salud y la solicité el segundo día en que se abrió el margen, de tal manera que me vino confirmada hace ya un poco más de dos meses. Al menos por ese lado me quedé tranquilo...

En la edición de este año no había ningún autor detrás del que fuera yo en pos de una firma, pero hay que reconocer que una vez te metes dentro es imposible aburrirse porque hay una amplia multitud de actividades, que en algunos casos se solapan unas a otras, de tal manera que la mejor opción era hacerse un horario selectivo y cubrirlo. En este enlace de la página web de Ficomic se puede ver todo lo referente al Salón de este año (os pongo por defecto la española aunque en la parte superior a la izquierda se puede escoger también catalán, inglés y japonés)

Además de una nueva ampliación del espacio disponible (se han pasado de 70.000 a 75.000 metros cuadrados) lo más llamativo de este año ha sido la ampliación hasta un total de cinco días (del 1 al 5 de noviembre), supongo que para así aprovechar como han caido las fechas en el calendario (hasta ahora, y que yo recuerde, tanto este como su "hermano" del comic que se celebra por primavera suelen durar cuatro días) No seré yo quien me queje de ello, aunque el próximo del comic será del 12 al 15 de abril de 2018.

Aparte de mi fallida firma de Junji Ito (autor que espero que vuelva para algún próximo Salón), otra de esas cosas que me quedaron pendientes del de 2016 fue poder ver la película I am a hero, que se pudo ver allí. El citado film está basado en el manga homónimo que es ahora mismo el único serializado que sigo, y del que apenas queda un tomo para llegar a su final (el penúltimo, el 21, lo reseñé por este enlace) Como soy perseverante al final si conseguí ver la citada película, pero si lo saco a colación es porque en la presente edición ganó el premio a la mejor película basada en un manga (tanto ese como el resto de premios los podeis ver por este enlace)

En cuanto al MUCHO merchandising que había, seré pesado con lo mismo, pero es que si yo tuviera el espacio para tenerlo y el dinero para comprarlo, sin duda que me llevo medio Salón. Como la economía es la que manda me conformé mirando los Funkos, entre los cuales me llamó la atención el del Hulk gladiador de la película Thor Ragnarok o uno de SpiderGwen, aunque había TAL VARIEDAD que igualmente uno saldría de allí con el saco cargado cual si fuera Papá Noel. Esos dos que he citado iban a 15 euros aunque la medía de precio de estas figuras iba desde unas pocas que ví a 10 hasta un stand que las tenía a 20, siempre de forma individual, aunque me esperaré a las rebajas que suele hacer Fnac porque allí es donde logré por 4,99 euros tres de los seis que tengo (tres de Doctor Who me salieron por menos de 10 euros cada una pero los tres citados por 4,99 euros cada uno son este, este y este)

Naturalmente había MUCHAS MÁS figuras de todo tipo y condición, en algunos casos a precios bastante competitivos (pude ver una gran cantidad entre 30 y 50 euros) aunque uno SUEÑA (total, eso es gratis) con auténticas MARAVILLAS como una con un combate entre Goku de Dragon Ball y Superman (eso, como es lógico, ya se me disparaba, aunque sin duda era de lo más espectacular) Ahora bien, para ESPECTACULAR en mayúsculas (y me quedo corto) la exposición Tamashii Nations donde tenían figuras de Dragon Ball, Naruto, One Piece, Caballeros del Zodiaco, etc. aunque las que más me llamaron la atención fueron las de personajes Marvel como si fueran samurais, o las de próximos estrenos como Liga de la Justicia o Pacific Rim Insurrección. Por su página en Facebook (por este enlace) podeis ver parte de todo ello, y en su web mucho más además de mención a este evento.

Aparte de lo muchísimo que había (repito enlace donde se accede a todo) destacaría las exposiciones (por destacar tan solo una actividad y más que nada por tener una dedicada a Jiro Taniguchi, otro de mis autores preferidos), aunque podeis ver en fotos todo lo habido por este Salón por este enlace, donde también teneis un menú que permite verlo por varios temas (ambiente, gastronomía, conferencias, etc.) En cuanto a material que me llamara la atención y del que vaya a sugerir para comprar a las bibliotecas citaría la Enciclopedia Yokai de Shigeru Mizuki, la edición integral de Uzumaki, Lobo Solitario 2100 o títulos como Aula demoníaca de Junji Ito o Academía Jedi de Jeffrey Brown, o curiosidades como ese crossover entre las Tortugas Ninja y los Cazafantasmas, si bien estos dos últimos ya no podrían catalogarse como manga. Que no os extrañe ver las reseñas de parte o de todo esto por este blog en los próximos meses...

 

EL CASTIGADOR (NACIMIENTO, EN EL PRINCIPIO y COCINA IRLANDESA), ACEPTACIÓN, BLACK KAISER, POLAR (1 A 3) y I AM A HERO (21)

Como hace poco me leí un comic de El Castigador que no solo me gustó bastante sino que encima me recordó los buenos ratos pasados con dicho personaje, decidí solicitar en la biblioteca los tres tomos previos de Marvel Saga dedicados a él. El primero de ellos se titula Nacimiento, y aunque la serie limitada del mismo título que incluye ya la había leído hace más de una década, decidí darle un nuevo repaso.

En ella, que bien podría considerarse como una acertada precuela, conocemos las andanzas de Frank Castle en la Guerra de Vietnam, lo que nos sirve para ver como sus posteriores ansias de justicia extrema ya pugnaban por salir a la superficie en aquel entonces. Como buen relato bélico, la violencia es explícita y contundente, y todo nos es narrado bajo el punto de vista de uno de los soldados del pelotón comandado por Castle, que cuenta los días que le quedan para poder salir de allí. El relato sirve además de acertada crítica contra los conflictos bélicos en general y el de Vietnam en particular, al mostrar las terribles consecuencias que conllevan todas las guerras. Este primer volumen se completa con dos historias individuales (La celda y El tigre) siendo la primera el relato de como Castle se deja apresar para acabar de consumar en la prisión su venganza más personal, mientras que en la segunda vemos a un imberbe Frank forjando su carácter con la imagen de un tigre como metáfora.

El segundo volumen dedicado al Castigador se titula En el principio, y si en el previo habia tocado temas del pasado de su protagonista, en este caso (aunque sea de forma colateral) también es así, con la presencia de un viejo amigo de Castle, que quiere convencerlo para que trabaje para el Gobierno y abandone sus eternas vendettas contra los mafiosos. Los seis números que se recogen en este volumen corresponden a los seis primeros de la cabecera dentro de la línea Max dedicada a este justiciero a cargo de un Garth Ennis que aqui cambia su anterior humor negro por un tipo de acción (y de lenguaje) mucho más realista (y sin duda poco recomendable para los más pequeños) A destacar las portadas de Tim Bradstreet, que captan bien ese citado tono más realista aunque en las mismas Castle aparenta menor edad que la que tiene en este comic (nació en 1950 y esta serie está ambientada a principios del siglo XXI. Hagan cuentas...)

Por su parte el tercer tomo, titulado Cocina irlandesa, acerca al expeditivo justiciero de los comics Marvel a un conflicto tristemente real: el de Irlanda del Norte. En el conocido barrio de la Cocina del Infierno la guerra entre bandas provoca que entre en liza el Castigador, en una historia donde se tocarán temas espinosos del pais de origen de Ennis tales como el terrorismo y el IRA. Quizás de los tres aqui reseñados este sería el que me ha interesado menos, más que nada porque el tema mafioso es uno de esos tan sobado que poco nuevo le puedes agregar, aunque aún así convence igual que el hecho de que estemos ante un Castle que nos es representado como un musculoso pero maduro Clint Eastwood, ya que se respeta su origen (el antes citado Vietnam) por lo que hablamos de un hombre que supera con creces el medio siglo de vida.

• Fichas editoriales en este enlace, en este otro y en este otro (respectivamente), fichas de la biblioteca por este enlace, este otro y este otro (correlativamente)

Me interesé por la trilogia Southern Reach ya que la primera parte de la misma es la base para la película Aniquilación con Natalie Portman de protagonista y que se estrenará el próximo mes de febrero de 2018. La citada primera novela me convenció a la hora de plantearme muchas dudas y pocas respuestas, para así aumentar la intriga del lector (algo que conmigo lograron), pero en su secuela (Autoridad) me encontré con más de lo mismo pero con menos concrección y muchísimo más enrevesado, por lo que mis esperanzas estaban en Aceptación para ver como culminaba una historia en origen bien planteada.

A diferencia de los dos libros previos (los citados Aniquilación y Autoridad), que contaban con un único narrador (más brillante la bióloga del primero que el apodado Control del segundo) en este caso se entrelazan nada menos que cuatro narradores, cuyos nombres no desvelaré porque serían spoilers si no se ha leído todo lo anterior. Lo interesante estaría en que se vuelve al Área X pese a lo cual eso no significa que al final haya respuestas para todas las preguntas.

De estos cuatro narradores, dos de ellos se moverían por el presente del relato, en donde tras lo sucedido en los dos libros iniciales se vuelve a esa misteriosa zona para intentar desentrañar sus secretos, mientras que los otros dos se nos sitúan como precuela de la primera novela, con una de las integrantes de la duodécima expedición, e incluso como todavía antes al centrarse en el farero, personaje citado pero que aún no había sido desarrollado. Resultando ligeramente superior a esa Autoridad que bajó mucho el listón, pero sin llegar al nivel de Aniquilación, la sensación final que deja es insatisfactoria, porque si bien se INTUYE lo sucedido, no se dan respuestas claras que expliquen todo lo anterior, dejando con la sensación de que alarga algo que tampoco daba para tanto, y encima sin responder a todas las cuestiones planteadas.

• Ficha editorial por este enlace, ficha de la biblioteca por este otro.

Es muy común que cuando me entero de algún futuro film que estará basado en un comic o novela me interese por la misma, por lo que a nadie le sorprenderá que en cuanto supe que Polar, el comic de Victor Santos, iba a ser adaptado contando con el actor Mads Mikkelsen como su protagonista, Black Kaiser, lo buscara por la biblioteca. Pero fue justo en eso cuando ví que el citado personaje ya había aparecido en un comic anterior de Santos con su mismo nombre, por lo que como estaba todo ello disponible enseguida pasé a leermelo.

Comenzando por Black Kaiser hay que decir que su estilo puede recordar al de Frank Miller en Sin City, pero a partir de ahi es evidente que se trata de dos autores muy diferentes. En el caso que nos ocupa estamos ante una historia de espionaje con un protagonista que podría considerarse una bastante acertada mezcla entre el conocido James Bond y el clásico Nick Furia de los comics Marvel, un asesino a sueldo que en busca de un objetivo se verá inmerso en el más célebre atentado de los últimos tiempos, el ataque a las Torres Gemelas. Con un estilo gráfico muy cinematográfico hay que alabar los perfectos encuadres que en todo momento maneja Victor Santos para que con un estilo propio muy personal la historia sea del todo disfrutable gracias al tremendo ritmo con que la dota.

Va bien de tener ese preámbulo antes de lanzarse con los tres tomos que conforman la trilogia de Polar, donde se rescata al personaje de Kaiser. En los mismos el mayor handicap que se le puede achacar sería lo rápido que se leen, pero eso es debido a que el autor consigue hacer tremendamente explícitas y profesionalmente concretas todas las (muchas) escenas de acción que se van sucediendo en la historia, lo que conlleva el hecho de leerla y disfrutarla en todo momento cual si se estuviera viendo una muy buena película de acción. De nuevo con ese estilo minimalista que puede recordar al Miller de Sin City, en origen fue un webcomic semanal que para su edición en papel fue retocada y rehecha por el mismo autor, con unos resultados realmente notables.

La lectura de todo ello la completé con el tomo 21 de I am a hero, que ya se enfila hacia su recta final (en principio queda un último tomo que me imagino que en algún momento futuro estará por la biblioteca) En el presente comic veremos como todos los personajes que se han movido por la historia parecen converger en el edificio Sunrise, incluyendo ese gigantesco ZQN que sería una perturbadora masa de carne de estos zombis, dentro de la cual se encuentra Hiromi. El bueno de Hideo intentará rescatarla él solo, pero atraerá la atención de una horda de ZQN entre los cuales hay uno inesperado. En resumen una 21ª entrega que continua el ritmo visto hasta ahora en la serie dejando bien claro que se enfila hacia la resolución de todas las tramas, siempre con ese dibujo con toques cinematográficos y esas splash-pages que son tan escalofriantemente espectaculares (uno de los mayores atractivos que ha tenido este manga)

• Ficha técnica de Black Kaiser por este enlace, ficha de la biblioteca por este otro.
• Fichas editoriales de la trilogia Polar por este enlace, fichas de la biblioteca por este otro.
• Ficha editorial de I am a hero (21) por este enlace, ficha de la serie en la biblioteca por este otro.

LA BATALLA DE LOS SEXOS, tenista y feminista por (sus) pelotas

En el momento actual es indudable que las adaptaciones de comics de superhéroes tienen bastante éxito, pero la fidelidad es más o menos relativa, salvando contadas excepciones que se demuestran todo un acierto, siendo a veces incluso lo mejor de ese título en cuestión. En ese breve y escueto grupo de grandes aciertos tengo yo sin duda a la Gwen Stacy que encarnó Emma Stone en las dos entregas que tuvo The Amazing Spider-Man, siendo sin duda la mejor compañera que le han puesto al popular arácnido de Marvel respecto a su homóloga en las viñetas, al menos en los seis films que tiene hasta la fecha. Como es lógico a partir de ahi me interesé por los proyectos de esta actriz, que se vió consolidada por el Oscar que ganó la pasada temporada por La ciudad de las estrellas (La La Land), demostrando que no es tan solo una cara bonita (algo que escribo pensando por ejemplo en Megan Fox, que en comparación tendría un talento más... "discutible")

Esta película es una prueba más de su versatilidad como actriz, ya que recrea a Billie Jean King, una tenista que estaba en el número 1 del ranking femenino a principios de los años setenta; que defendiendo la igualdad salarial entre hombres y mujeres compitió contra el entonces retirado Bobby Riggs (personaje a cargo de Steve Carell), un veterano tenista que se jactaba de su condición machista ya que tanto para él como para la mayoría de hombres en aquella época (e incluso aún hoy en día vigente para algunos) los únicos lugares en los cuales tenía que estar una mujer eran dos: la cocina y la cama.

Esta película de los directores de Pequeña Miss Sunshine gira sobre estos dos personajes, aunque en el reparto se pueden ver otras caras conocidas como las de Elisabeth Shue, Alan Cumming o Bill Pullman. Al estar ambientada en los setenta hay que reconocer el notable trabajo técnico y artístico que logra llevar al espectador hasta aquellos años, cuidando hasta el más mínimo detalle de la estética propia de aquel tiempo tanto en decorados como en escenografía, maquillaje, etc. La labor de sus dos protagonistas es también acertada, aunque según parece suaviza bastante la personalidad real que tenian ambos, hasta el punto de quedar ella como una heroina y él como un simpático fanfarrón, pese a lo cual quedan patentes en el film tanto la infidelidad de ella con su entonces marido como la ludopatía de él (esta última de forma más discreta)

El problema que arrastra no solo esta película sino toda aquella historia basada en hechos reales es esa evidente fidelidad, en mayor o menor medida, a los mismos. A eso hay que sumar su tono deportivo, que también suele hacer muy predecible que el protagonista de la historia competirá hasta el éxito final, bien sea en el propio juego o por méritos que lo elevarán como el ganador moral. Todo ello resulta evidente mientras se ve esta película, y aunque no se conozca nada de antemano sobre esta historia, haciendo previsible su resolución final (que no citaré aqui por ser evidente spoiler aunque a la mínima que uno busque información sobre este caso resulta bastante evidente) De hecho el propio tono de la película, feminista al 100%, ya deja bastante claro a lo que me refiero.

Pero pese a que esta película sea entretenida (que sin duda lo es) y esté bien llevada a cabo (lo cual nadie niega), lo triste sería que desde que ocurrieron estos hechos (en 1973) hasta ahora aún siga plenamente vigente la diferencia salarial entre hombres y mujeres, algo de lo que se han hecho eco en los últimos tiempos actrices como Jennifer Lawrence o la propia Emma Stone, protagonista de este film. El caso de ellas se hace más mediático por su condición de famosas, pero resulta evidente que en otros muchos campos profesionales sigue presente, por lo que es digno de alabar el propósito final de esta historia, que sirve para mostrar que esa lucha por la igualdad de oportunidades (y por lo tanto también a la hora de cobrar) no es algo reciente sino que se lleva arrastrando desde hace ya muchas décadas.

Aún así se le puede reprochar a esta cinta no ahondar más a fondo en ese tema, ciñéndose quizás de forma abusiva en la parte íntima de King, ya que su ilícita relación con otra mujer (no en vano parece ser que en la vida real Billie Jean King ha sido una acérrima defensora de los derechos del colectivo LGTB) copan bastante de sus 121 minutos de metraje. No es que me queje de ello, porque la película sabe mostrarlo desde un punto de vista acertadamente sentimental, sobretodo gracias al desparpajo de Emma Stone, pero eso también deja al personaje de su marido en la ficción como un mequetrefe, si bien me imagino que eso ayuda a ese tono feminista antes citado que a través de un guión de Simon Beaufoy sirve de evidente homenaje a la imagen de ella como deportista y como defensora de la igualdad entre hombres y mujeres.

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• FICHA TÉCNICA y SINOPSIS en IMDB (en inglés) y FilmAffinity (en español)
• FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA: 3 de noviembre de 2017
• Galería de posters por este enlace.
• LO MEJOR: El trabajo de su pareja protagonista, destacando sobretodo ella, así como una lograda ambientación y una historia con un mensaje feminista bien claro.
• LO PEOR: La previsibilidad hacia unos hechos que, aunque no los conozcas, resultan fáciles de intuir.